La Catedral se rindió siempre ante sus remates de cabeza, ante sus goles, ante su talento, ante su persona… Se ha ido para siempre, con 85 años, uno de los delanteros más prolíficos del fútbol español.

Zarra, adorable hombre de bondad y humildad carismática, consiguió 38 goles en una sola temporada, marcando un hito histórico y en las catorce temporadas que perteneció al Athletic logró 253 goles, siendo el jugador que más veces ha obtenido el Pichichi (en seis ocasiones) hasta la fecha.

Descanse en paz el gran maestro.

Al final, bordeando los últimos segundos, Kobe Bryant metió un canastón empatando a 120 el encuentro. Espectacular canasta que fue respondida por un oportunista Wade a fallo de Iverson, que no obtuvo réplica por McGrady, que erró la canasta de la verdad y el marcador quedó clavado en el definitivo 120-122.

En cuanto a Pau Gasol, fue el único que jugó en equipo, algo intimidado por su debut en el partido de las estrellas, rígido en sus primeros minutos en pista, pero humilde y algo ingenuo ante la actitud ambiciosa de sus compañeros. Atrapó doce rebotes, convirtiéndose en el máximo reboteador del partido de las estrellas que dejó en el Toyota Center de Houston la sensación del recuerdo de anteriores ediciones donde la magia y el juego en equipo prevalecieron sobre los apartados individuales. Lo de ayer pareció más un “a ver quién chupa más y mete más puntos” que un verdadero encuentro de primeras figuras de la liga con ganas de pasárselo bien.

Hace poco, Scottie Pippen hizo unas declaraciones respecto a la reciente consecución de los 81 puntos en un partido por parte de Kobe Bryant manifestando “Yo apreció a Kobe hasta la muerte y si esto fuera un 'uno contra uno' apostaría todo mi dinero por él, pero no se trata de esto, sino de un juego de equipo y en este sentido no apostaría por él”. Ayer, en Houston, el espíritu de Bryant pareció apoderarse de todas estrellas, menos, paradójicamente, de la indiscutible sensación baloncescística de los Lakers.

Acusar a Spielberg de no posicionarse, de permanecer ambiguo ante los hechos sería como acusarle de no contribuir a resolver los problemas de Oriente Próximo. Algo que se antoja imposible en estos tiempos de agitación en la zona, donde el judaísmo expatriado ha convertido el desarraigo en una ley frente al judaísmo sionista, capaz de fomentar el odio hacia el judaísmo como método de unión política y religiosa con el objetivo de regresar a la tierra originaria de Israel. Oriente Próximo se ha bifurcado en dos bandos en los que recíprocamente cada uno ve un opresor y enemigo en el otro. Un conflicto centenario, el árabe e israelí, sin final previsible a largo plazo.

Por eso, Spielberg se muestra púdico cen su imparcialidad, pero sin evitar el compromiso de desconfiar, en su final, sobre la metodología que Israel ha ejercido ante el problema palestino a lo largo de su historia, sugiriendo el diálogo como inalcanzable solución, interpelando a la irracionalidad vengativa ante el terrorismo, pero sin refutarla. En esa dualidad del alma judía desde la creación del Estado de Israel, tras más de medio siglo de masacres en ambos bandos, nadie parece contar con la razón ni la lógica de una guerra aceptada como necesaria. La triste realidad de Oriente Próximo es que no está preparada para asumir la paz y la felicidad. Algo que Steven Spielberg ha sabido reflejar en esta, vayamos diciéndolo ya, obra de excelsitud magnificada.

Pero si por algo destaca la fallida adaptación de uno de los mitos más imperecederos de la historia de la música es por las generosas ráfagas de brillantez interpretativas que ofrecen sus dos protagonistas, que entregan al espectador las mejores actuaciones de su carrera. Joaquin Phoenix ofrece un recital de intensidad dramática, sin necesidad de metamorfosis físicas, aludiendo a su meticulosa profesionalidad para crear un Johnny Cash creíble y humano, con su voz profunda y colérico espíritu, reproduciendo fielmente las canciones del maestro. Por su parte, Reese Whiterspoon, pese a que no llega a las cotas de su ‘partenaire’, demuestra su madurez como gran actriz de primer orden.

En cualquier caso, por encima de Mangold y su película, queda la figura de “El hombre de negro”, Johnny Cash, un clásico irrepetible que supo ser fiel a sus principios y personalidad, alejándose sutilmente del ‘rock and roll’, del country de Nashville, del ‘gosspel’, del ‘bluegrass’ o del ‘honky tonk’, creando un subgénero propio que fusionaba al desgarrado romanticismo del folk, el pesimismo del country y la insurrección de un rock & roll que marcó para siempre la memoria de la música.

Bajo la batuta del director de 'Chicago' se esconde un alarde de estilo, que infunde un halo de astuto ardid donde Marshall intenta imitar, sin mucho lucimiento, la narrativa clásica oriental, con un minucioso recorrido por las coordenadas filosóficas y estéticas del mundo japonés, subrayando la delicadeza ornamental de peinados, tradiciones, habitáculos, rituales y ceremonias sociales de un código normativo muy estricto y férreo, el de las sometidas geishas. Pero lo lleva a cabo sin el hipnotismo y el sortilegio de un mundo arcaico y tradicional donde las contradicciones, sutilezas y la arcana reputación de esta mujer de compañía que perfila Goldman en su mediocre novela, como en la biografía de Mineko Iwasaki o el ‘Geisha’, de Liza Dalby, otras dos muestras de libros dedicados a la seducción de esta figura oriental.

Marshall, además, muestra el entorno social de las geishas desde una perspectiva contagiada por un falso propósito docente y didáctico de refinada pulcritud. Así, no se repara en reiterar varias veces que una ‘okiya’ es la casa de aprendizaje de las geishas, que un ‘danna’ es un protector que las mantengan, que las ‘maikos’ son aprendices y sus hermanas mayores son ‘o-nêsan’, a las que acompañaban a las casas de té. Por supuesto, tampoco falta la ilustración de las partes de un kimono o que la música que tocan las geishas sale de un ‘shamisen’. Todo ello, sin perder la voluntad de edulcorar la vida de unas mujeres que no eran dueñas de su destino.

Llegó a imaginar que el mundo creería que “era virgen y no mantendría relaciones sexuales hasta después del matrimonio” cuando Justin Timberlake (y medio mundo de la música) había practicado más de medio kamasutra con la insoportable diva del ‘pop’ modernillo e inclasificable. Ha intentado vender una rivalidad de odio profesional (análoga a la que mantuvieron en los años 80 las actrices porno Ginger Lynn y Traci Lords) con su contendiente musical, Christina Aguilera, igual de esperpéntica en su fastuoso relumbrón, pero infinitamente mejor artista y cantante.

Tras seguir haciendo el anormal casándose en Las Vegas con Jason Allen Alexander, un amigo de la infancia, para divorciarse dos días después, se casó con el bailarín Kevin Federline y se quedó embarazada (no sabemos si de él) para, durante la gestación, anunciar que quería retransmitir en directo el parto.

La imagen poniendo en peligro a su hijo Sean Preston (como hizo Michael Jackson con su tercer retoño al exhibirlo en un balcón de un hotel de Berlín) es la evidencia de que esta tipa es imbécil.

Por eso, desde el Abismo, yo te digo: "¡Te odio, Britney Spears!".

Una imborrable película de acción y aventuras que tiene imágenes y secuencias imborrables; como los Orphans, una pandilla de ridículos aprendices que amedrentan con recortes de periódicos y vuelven a aparecer con una minúscula navaja para intimidar, los Baseball Furies, unos tipos hereditarios de los drugos de ‘La Naranja Mecánica’ con atuendo de beisboleros portando un bate, las Lizzies, unas golfas que actúan como mantis religiosas, los labios junto al micrófono de Lynne Thigpen (sustraído por Tarantino para ‘Pulp Fiction’) y, en definitiva, todas y cada una de las secuencias de lucha y persecuciones que Walter Hill cuida milimétricamente hasta el extremo.

‘The Warriors’ reúne todas las características que se ajustan a un filme de culto que ha trascendido a través de los años, debido, en gran parte, a que sus personajes son arquetipos carentes de profundas sinecuras y motivaciones. No hay búsqueda de una causa, porque, pese a que estos antihéroes contienen un variado código ético, tienen una directriz como fin de su violenta conducta: la de sobrevivir y llegar a Coney Island.

‘Nacho libre’ homenajea la lucha mexicana como parte de la cultura popular arraigada a México, a la imaginería del entretenimiento clásico que alcanzó su cenit comercial y creativo con las personalidades iconográficas del inigualable Santo Enmascarado de Plata (que ya tuvo su merecida retrospectiva en el Abismo) y Blue Demon.

La cinta está protagonizada por Jack Black, en un papel a la medida de su histrionismo cómico tras su ambicioso rol de ‘King Kong’, y le acompañan actores de procedencia mexicana como Ana de la Reguera, Hector Jimenez, Richard Montoya y el prolífico Peter Stormare.

Más información y tráiler en Ain’t it cool news.

Sin llegar a las cotas de maestría de esa pieza de absoluto culto que es ‘Adoro mi mierda’ (anterior trabajo que incluso sirve de profusos análisis en universidades catalanas), ‘Es un mundo extraño’ abriga los cimientos de un estilo en evolución sin carencias, tal vez las lógicas en un chaval que apenas ha estrenado la veintena, pero consciente de su capacidad para narrar con brío y convicción sus historias. De ritmo endiablado (exceptuado en el énfasis temporal con el que se plantea la trama en su inicio –pero donde sin embargo brilla la angustia producida por la tendencia de “Sivi” a la permanencia de personajes en lugares cerrados-) ‘Es un mundo extraño’ aborda la historia de un atracador de bancos que ha descubierto que tras Retevisión se esconde una organización maligna que ha dado como consecuencia que el Ku Klux Klan haya puesto precio a su cabeza. La única opción es escapar, encontrando como salida la venta de órganos como fuente de ingresos y viajar así a Las Vegas en complicidad con Berta, una estudiante que, desde el principio, parece empeñada en seguir los pasos del antihéroe.

La tradición establece que si Phil ve su sombra al salir, quiere decir que el invierno se alargará durante seis semanas más, por lo que regresará a su guarida para resguardarse de las bajas temperaturas e hibernar un mes y medio más. Si, por el contrario, Phil no ve su sombra y se queda jugueteando junto al presidente William Cooper (el hombre que convoca su presencia), los lugareños dan por comenzada la primavera, sabiendo así cuándo plantar sus cosechas.

A pesar de que las estadísticas refutan la veracidad de este simpático pronóstico (las estadísticas lo dejan en un pobre 28% de acierto), el Día de la Marmota se extiende ya a más de un siglo de celebraciones, ya que es una fiesta ancestral que se remonta a la inmigración alemana en esa zona del país cuando aún era una colonia británica.

‘Brokeback Mountain’ se convierte así en una amarga elegía contracorriente a la rutina ultrajada por las apariencias, que niega la defensa de la identidad en un mundo que obliga a las personas a ocultar, e incluso rechazar, el único sentimiento auténtico e ineludible que, a lo largo de los años, llena de sentido las desérticas y solitarias vidas de estas dos personas. Así, este ‘western’ no deja de ser, más allá de la fisonomía de sus protagonistas, una bella historia de amor imposible. Lo que Lee efectúa sobre los cánones genéricos es una profunda revisión del más acrisolado mito ‘westeriano’, donde se ha perpetuado la imagen del héroe masculinizado y de férrea impronta, para superar la categorización sexual y la etiqueta del género y narrar, sin efectismos y sencillez, una historia universal. Por eso, ‘Brokeback Mountain’, no es un melodrama al uso, otra cinta de amor inalcanzable con trágico final. No sólo desglosa una disección taxidérmica de reconversión sobre el ‘western’ tradicional, sino que va mucho más allá del reciclaje, del encontronazo con los usos habituales del género, con sus protocolos de masculinidad y moral patriarcal de corte linóleo, al plantear una sencilla y triste fábula, dejando a un lado el antiheroismo (circunscrito a la personalidad de ambos vaqueros) y adquirir con su mirada profundamente clásica una visible autoconciencia de acuerdo con los signos temáticos actuales, superando la artificiosidad, de un modo sutil y pausado. El realizador taiwanés compone una oda inteligentemente fundida con varios elementos de la sintaxis clásica, en su itinerario intimista sobre la perennidad del amor, un lacerado canto sobre la necesidad de subrayar la identidad y una virtuosa y milagrosa respuesta de amores disimulados frente a los convencionalismos.

Un filme reflexivo y delicado que recuerda por su sobriedad a los grandes clásicos (Anthony Mann, Nicholas Ray, Boetticher…), con comedimiento y una soberbia hegemonía de las claves de la puesta en escena clásica, deteniéndose cuando es necesario en lo cotidiano y en lo convencional, aplacando el ritmo y la dosificación de los sentimientos o evitando en otras ocasiones caer en el exceso de capacidad expresiva con elipsis que determinan el paso del tiempo de los encuentros perecederos en las montañas de un oeste evanescente. Ang Lee devasta con pálpito afectivo la dimensión legendaria de un Oeste agonizante y encuentra su gran virtud en una profunda solidez narrativa en la incursión de las leyes y mandamientos del ‘western’, donde se significa un universo de mutismo en el que las palabras se entregan al silencio, incapaces de expresar la verdad. Con detalles subrayados por miradas fugaces, de gestos difusos que simbolizan mucho más de lo que aparentan, contenidos con austeridad sin contemplaciones por la cámara de Lee en la excelente fotografía de Rodrigo Prieto.