Es inevitable profundizar en un filme como ‘Lo que la verdad esconde’ sin aludir a la figura del que es progenitor de un género taxativo dentro del cine: Alfred Hitchcock. Cierto es que la ofrenda al gran maestro por parte de Robert Zemeckis constituye un compendio definido por las constantes irrepetibles del gran mago del suspense. Pero también lo es el intencionado alejamiento del legendario creador inglés introduciendo, desde su base argumental, conceptos ajenos a la visión ‘hitchcockiana’ al introducir fenómenos paranormales, fantasmas y la tétrica línea que conforma este taquillero filme. Asentada en un argumento eficaz y vigoroso, procedente del mismísimo Spielberg, ‘Lo que la verdad esconde’ fundamenta su gran y aplastante virtud en la majestuosidad visual y narrativa con la que Zemeckis ha sabido dotar al filme, extendiendo a sus secuencias una excepcional puesta en escena y una evolutiva recreación del desasosiego y la angustia psicológica que acaba por atrapar a un espectador trasegado por el genio del cineasta hacia el sobresalto.

Funciona, por tanto, desde su base, la enorme dualidad entre la apariencia de realismo cotidiano y la mezcla de realidad-ficción, su esquema maniqueísta, su ‘tempo’ secuencial que arrolla y estremece, que fascina y sobrecoge. La historia del matrimonio Spencer y su relación vulnerada por la irrupción en su vida por un espíritu le sirve a Zemeckis para convocar una serie de elementos clásicos del cine de terror y llevar al público a la inquietud, a la tribulación que deviene de la emoción simple y violenta, sabiendo convertir la acción cotidiana en una tangible pesadilla donde las sensaciones quedan diluidas.

En un momento del filme, Tommy "Birdman" Rowland, el personaje que interpreta como nunca Matt Dillon, está postrado en la cama del hospital después de ser objeto de una paliza por motivos de adulterio. Reflexiona sobre su propia vida diciendo “No me parezco al hombre que siempre soñé ser. Ni siquiera de lejos. No he conseguido nada de lo que me propuse”. Ese sentimiento de frustración es uno de los motivos que identifican a todos y cada uno de los que, como yo, un día soñaron hacer algo importante. Pero la realidad es bien distinta y hay que empezar a asumirla, sacrificando con ello nuestra ilusión de toda la vida.

Todos recordamos, cómo es normal, a Willie Conway (Timothy Hutton), el pianista inseguro ante el compromiso que encuentra una razón para no crecer en Marty (Natalie Portman), una niña de 12 años de la que inevitablemente nos enamoramos, es otra imagen identificativa del llamado ‘Sindrome de Peter Pan’, que aquí recurre a otro clásico de la literatura yanqui como Winnie, the Pooh, de A. A. Milne. Un mágico momento es cuando el sueño ‘nabokoviano’ de mi vida (de nuestras vidas) Natalie Portan, patina alrededor del confuso Conway y le reta a que la espere, que persista en el tiempo cinco años para recorrer el mundo juntos. Es cuando él se da cuenta de que no es más que la excusa perfecta (e irreal) de alargar su desorientación ante el matrimonio. Entonces le recuerda que cuando Christopher Robin creció se olvidó de Pooh, como le pasará a ella si persistiera en la idea. Marty personifica a la mujer que pretendemos, con sólo doce años, la inocencia que imaginamos que aún tenemos, el amor infantil que echamos de menos. La primera vez que percibimos que la chica de nuestros sueños nos ha devuelto una mirada y el corazón nos da un vuelco. Eso es Marty. El sueño perdido.

La Administración Bush es tan divertida y se toma tan en serio todo que ha creado un serial internauta (a través de la página web oficial de la White House) del ‘Primer chucho’, de Barney, que se ha transformado en una estrella mediática. El año pasado hicieron un especial en el que el pequeño Barney tenía una misión que acometer por todos los medios. Uno de los representantes presidenciales más importantes le mandaba decorar los enormes habitáculos de la mansión presidencial: desde el Despacho Oval hasta la habitación George Washington. Esa era su misión. Pero el perro, en similar actitud de su dueño, no quería trabajar; prefería tocarse los huevos, jugar con un balón en la nieve o dormir ¿Mensaje subversivo de la actitud y aptitud de Bush? No quiero ni pensarlo.

Más allá de la certeza de si Bush traduce este tipo de actos en cualquier estado, ya sea borracho o sobrio, lo cierto es que tales artimañazas sirven para desviar la atención del pueblo, de encubrir su perverso plan mefistofélico por dominar el mundo (ahora, su intención es ir por Irán; mañana, quién sabe). El periodismo en USA pasa por dar primacía a la vida de un insignificante perrito que a las vicisitudes de una política exterior que, como hordas de extraterrestres alienígenas, están desmoronando con sus actos el territorio por donde pasan.

Bush prefiere que todos los americanos vean la cotidianidad de su perrito faldero, metamorfoseado en sus propios compatriotas, a que su país sepa lo que hace su ejército en Irak, aquello que los verdaderos perros de Bush, los marines descontrolados y violentos, hicieron en la cárcel de Abu Ghraib, lo que están sembrando en Afganistán y los que le queda por hacer en Oriente Medio.

Por lo demás, volví a reencontrarme con Travis, mi viejo amigo Travis Bickle y su historia de taxista asocial y desequilibrado, excombatiente de Vietnam atrapado en una vida sin sentido que procura redimir sus propios fantasmas protegiendo a dos mujeres interpretadas por Cybill Shepherd y la impúber Jodie Foster (que, por cierto, cuenta también que su madre le dijo a Scorsese qu estaba loco por pedirle a una cría de 12 años que interpretase a una puta). La película encumbró a la cima a un Scorsese que recreó a la perfección un ambiente sucio e hipócrita al ofrecer una agobiante historia, glorificada sobre todo por la interpretación majestuosa de De Niro en el papel del psicópata taxista con ganas de venganza social. Un inolvidable drama, casi expresionista, sobre el prototipo de personajes con vocación de mártir convertido en asesino sin escrúpulos que acaba santificado.

‘Taxi driver’ es una obra maestra, una película que transgredió en su época y que me cautivó cuando yo sólo era un crío de 10 años, seducido y malacostumbrado a un modelo erróneo de antihéroe. ‘Taxi Driver’ es también toda una leyenda externa al rodaje (el intento fallido del magnicidio a Reagan por el perturbado John Hinckley en 1981) y en la sería injusto olvidar la espléndida banda sonora compuesta por el mítico Bernard Herrmann.

Con esta película es cuando se empezó a evidenciar el inconfundible estilo de un creador de enormes proporciones: Scorsese, a pesar de mover su cámara siempre al compás de largas secuencias dilatadas, se movía entre el más de los furos controles que se contrapone a la célebre improvisación que se ha dado en su cine cuando le conviene. Esto suele hacerlo en la construcción de escenas en las que la tensión es progresiva y va sumiendo en la duda a un espectador que acomete la sucesión de sensaciones con la suspicacia, con la pregunta del ‘qué pasará’, ya que (como ha sido habitual en el cine de este genio) el carácter de los protagonistas puede estallar en la más encendida brutalidad que uno pueda imaginar, en un torrente de violencia que termina por resultar catártico para personalidad y espectador.

Como variante al terror en estado puro, a la búsqueda de estilos poliformes y personales en los que la universalización de los temas e intencionalidad se destapan como el gran logro de una cinematografía minoritaria, se encuentra lo que se ha dado en llamar el ‘Extreme’, esa variación que abandera el prolífico Takashi Miike (‘Audition’, ‘Ichi Killer’ y las dos partes de ‘Dead or Alive’) que invocan otro estilo en la proposición del terror, dado en la explicitud de sus imágenes, en el sentido gráfico de lo truculento y desagradable, en la terrible realidad de impensables actos inyectados directamente al ojo del espectador. Películas como ‘Phone’, de Ahn Byeong-Gi, ‘Three’, dirigida por Kim Ji-Wun (Corea), Peter Chan (Hong Kong) y Nonzee Nimibutr (Tailandia), ‘Memento Mori’, de Kim Tae-Yong y Min Gyu-Dong, ‘Sorum’, de Yun Jong-Chan, ‘Bangkok Haunted’, de Oxide Pang y Pisuth Praesaengaim y la terrorífica ‘Tales of the unusual’, son ejemplos de esta nueva (en realidad clásica) moda del cine asiático de terror y fantástico. Esta semana ha llegado a las carteleras de media España ‘Dos hermanas’, producción de Corea del Sur, donde dos hermanas regresan a casa después de haber estado enfermas. Allí son recibidas por su madrastra Eun-joo, una mosntruosa mujer que se encarga de hacer de sus vidas una auténtica pesadilla en la que no pueden faltar los fenómenos extraños. Dirigida por Kim Ji-Wun está interpretada por Im Su-Jeong, Moon Geun-Young y Yeom Jeong-A.

Nacido en Londres en 1971, Cunningham es uno de los directores con más futuro dentro de Hollywood y todavía no ha realizado un solo largometraje. Su propensión hacia la oscuridad con la que plantea sus temas, la visualidad incómoda, gris, mortecina, llena de intersecciones, siempre inclinada a la exploración de los cuerpos, de las formas, reconvertidas en seres infrecuentes, figuras extrañas y espeluznantes monstruos. Niño prodigio del medio (a los 16 años trabajaba en el departamento de efectos especiales de los estudios Pinewood), Cunnigham es experto en dar forma y carácter a monstruos deformes, como demostró en sus reconocidos trabajos cinematógraficos de ‘Razas de Noche’ y ‘Alien 3’, reformulando la célebre criatura de H.R. Giger. Los escenarios futuristas y postindustriales, la atmósfera angustiante y una afección por el organismo y el cuerpo humano son elementos necesarios en una obra tan fascinante como perturbadora.

En 1995, Manolo, había hecho llegar a jóvenes de toda España 2.000 copias entre las vendidas y pirateadas. El ‘Ya hera ora’ recogía 30 temas, pero la denuncia de las discográficas, ya que varios temas eran versiones de temas conocidos (varios de ellos de los ‘Sex Pistols’), hizo que se tuvieran que retirar las copias y reeditarlo, desapareciendo 7 de aquellos míticos temas. En 1996 le vi en la sala Potemkin y no fue lo que me esperaba, porque Manolo, como buen bohemio cantautor punkie tenía sus días: dependía de cómo estuviera; o estaba increíblemente gracioso e inspirado, o se iba a los 5 minutos mandando a tomar por culo al público. Aún así, siempre seguí adorando a aquel hombre. Su música era lo de menos. Importaba la figura, el mito, el icono que creamos aquellos que crecimos con un katxi de kalimotxo en una mano y uno de cerveza en la otra, fumando un buen petas, mientras levantábamos las manos al grito de sus canciones: “cada imprendible que llevo en la chupa es el recuerdo de algún follón”, “usted qué opina del aborto de la gallina”, “un papel morao ¡mil duros!”, “Si Sid Vicious hubiera conocido el kamimotxo no habría muerto de sobredosis”… y tantas y tantas otras.

Cuando Manolo volvió con ‘Los ke se van del Bolo’, su proyecto de banda de acompañamiento se sitúo en un proyecto más serio y comercial. Y el Manolo que me encandiló dejó de ser el mismo, aunque sus letras tuvieran la misma intención cabrona. Viendo aquellos grupos que me gustaban entonces, en mi época macarra que se ha extendido hasta la actualidad: El Oso Yonki, La Polla Records, Boikot, M.C.D, Pleasure Fuckers, Los Discípulos de Otilia o Albert Pla, sus siguientes discos: ‘La Nueva Mayoría’, ‘Resina, agua y ajo’ y ‘2001: la odisea va despazio’ son el reflejo de que este sedicioso e insumiso cantautor sigue haciendo discos no por un golpe de suerte o por el seguimiento de unos borrachos ‘freakies’. Nada más lejos de la realidad. Sus rudas canciones, a pesar de parecer las absurdas loas más banales al inconformismo y a la droga y el alcohol, son el fiel reflejo de la realidad de nuestro país. Y eso es todo un logro.

La línea narrativa es de seguidores lineales de libros de guión de Linda Seger, la trama es directamente infumable y lo irrazonable de todo, de la limitada clave, los personajes, sus pulsos de acción, todo, absolutamente todo lo que sucede en la pantalla hace que el espectador se pregunte qué coño está viendo y por qué ha tirado el dinero a la basura. Diálogos irracionales, situaciones imposibles, grotescas elipsis y una constante sensación de que a uno se le está tomando el pelo son los elementos de una película innecesaria y ramplona. Todo es malo, ridículo, huele a rancio, lleno de mugre e imbecilidad. A estas alturas del cine, y más en el cine de Hollywood, es inconcebible una película de similar calaña.

Lo más sorprendente es que todos los actores, empezando por Kim Basinger, Jason Statham, el jovenzuelo Chris Evans y llegando al independiente William H. Macy, están más que correctos en esta risible muestra de cine MALO, con mayúsculas. Todo paradigmatizado en un final que desmejora los antológicos ‘happy ends’ de ‘El equipo A’ y los pésimos y horteras títulos de crédito. Lamentable.

Espero que la francesa ‘Alta tensión’, que la veo mañana, esté a la altura de las expectativas.

Ya os contaré.

Ahora, todos aquellos (si es que hay alguno) que no hayan leído acerca del Priorato de Sión y que no sepan que el elemento clave de todo se encuentra en el apóstol que ocupó la derecha de Cristo en 'La Última Cena', de Da Vinci, no es otro que María Magdalena, están de enhorabuena (qué simpática rima, oiga). Todo, porque Hollywood ya tiene Robert Langdon para su superproducción. Nada más y nada menos que Tom Hanks será el encargado de descifrar 'El código Da Vinci'. Ron Howard, oscarizado por esa impertinencia fílmica que es la repulsiva ‘Una mente maravillosa’ será el encargado de llevar a imagen la palabra de Brown.

Como dicen en el no menos repulsivo programa 'TV. Top’ dedicado al Zapping en Telecinco con esas voces que desquician a cualquiera... “Esto es paaaa verloooo”.

Si el lenguaje es vida, como pretende hacernos ver Linklater, en medio de esta historia de amor, el espectador logra establecer un vínculo de profundo reconocimiento que abre las puertas a un acercamiento cinematográfico a la vida misma. Por eso, en este nuevo milagro fílmico, la identificación es necesaria en cuanto a la evolución de los personajes, aludiendo a la propia evolución vital del que vio su primera parte y asiste a este esperado reencuentro. “La vida es más inmediata cuando uno envejece”, dice Jesse en un momento fundamental de la película. Y es por eso, tal vez, que ‘Antes del atardecer’ surge como la consumación ideal de aquella noche en Viena. Un epílogo más efímero pero mucho más intenso, que reconoce que lo importante de esta perenne historia de amor es la necesidad de compartir cada espacio, cada mirada y cada diálogo con la pareja protagonista. Ellos hablan de un sentimiento universal, de las intensas necesidades de la cotidianeidad o de las pequeñas esperanzas y satisfacciones que hacen que el ser humano siga vivo.

En su prólogo, donde no faltan los ‘flashback’, un crítico le pregunta a Jesse si los protagonistas de su novela se reencontraron seis meses después de su idilio o no. Él responde que cada lector tiene una propia conclusión de aquello. Como en ‘Antes del amanecer’, en la que al espectador no se le daba una respuesta al enigma. Quienes crean encontrarla en esta secuela, lo harán, pero lo hermoso de la narración, como en la vida, es que todas las preguntas generan otras, postulando que el amor, pieza clave de todo, dependerá de aquellos que lo vean con romanticismo o escepticismo. Película espontánea y casual, donde emerge una belleza absoluta y una honestidad asombrosa, ‘Antes del atardecer’ es la naturalista representación de dos personajes que reaccionan de forma natural ante una nueva prueba del destino, haciéndose preguntas lógicas y dejando que el tiempo saque a la luz los temas que interesan, y así, intentar llenar un vacío de nueve años. Al igual que la primera cinta, ésta se centra en la larga conversación de una pareja que, durante casi hora y media, transitan por las calles de París en un paseo hacia una pequeña cafetería, después por parques parisinos, en un viaje en barco por el Sena y, finalmente, en el coche predestinado a alejarlos nuevamente. Trayectos en los que no dejarán de hablar de sus vidas, de sus sueños y anhelos. Una preciosa oda al amor que consta de un engranaje conceptual detallado en la delicadeza de sus frases, de sus réplicas, de sus silencios, de lo latente que empieza en las percepciones abstractas avanzando hacia las respuestas que tanto los personajes como el espectador quieren conocer: ¿Están casados con otras personas? ¿Son felices? ¿Sigue habiendo entre ellos aquella profunda atracción? ¿Hubieran querido pasar su vida juntos de haberse visto a los seis meses?

Hay un detalle brutal en esta secuencia que demuestra mucho de lo que quiere decir Noè. Cuando Monica Belucci está siendo salvajemente vejada, un hombre entra en el túnel del metro y ve la acción. En vez de hacer algo, socorrer a la chica, intentarlo. Algo. No. Se va. Sin más. Bien, nosotros somos ese hombre, desde el otro lado del túnel.

"Un túnel que se rompe en dos"...

En fin, amigos, que exhibicionista o no, ‘Irreversible’ es una joya de culto del cine francés que provocó en mí un impacto mental mucho más profundo que la mayoría de las películas europeas que he visto en los últimos tiempos y que me hizo pensar en cosas que nadie antes me había podido sacar.

¿El tiempo lo destruye todo? Tal vez.

Desde que en 1962 Gualtiero Jacopetti y Franco Prosperi dirigieran un documental titulado ‘Mondo Cane’, en el que se reflejaban costumbres de distintas partes del mundo (costumbres amatorias, culinarias, religiosas...) el ‘Mondo’ ha producido todo tipo de barrabasadas visuales de esas que se ven con las manos tapando los ojos y mirando de reojo para no perder detalle. Cacerías ilegales, torturas, fusilamientos, comilonas de entrañas de animales, apaleamientos, agresiones... El inocente ‘Impacto TV’ elevado a la máxima potencia. Umberto Lenzi y su explícita ‘El paese del sesso selvaggio’ o el más conocido: Ruggero Deodato con ‘Holocausto Caníbal’ y la saga de simpáticas cintas ‘Rostros de muerte’ representan el ‘snuff’ legalizado y demandado por el público.

No os podéis imaginar lo que se puede ver en ellas. Es realmente repugnante.

Así filmes como ‘Executions’ o ‘Death scenes’, clásicos títulos del género, se superponen al raciocinio humano para vender el morbo que usted el público espera ver.

Llegados a un punto en que gemos perdido mucha de la dignidad visual que la sociedad tenía hace años ¿por qué en vez de prensa rosa y ‘telebasura’ no llenamos nuestras vidas catódicas de sangre y vísceras reales (o falseadamente reales)?

Si estamos deshumanizados, total, por lo menos, sabremos qué es el sadismo.

Esta secuela de ‘Resident Evil’ no es más terrorífica, ni especialmente sangrienta que su predecesora. De hecho puede parecer reiterativa y anodina, sólo roto este tedio por su celeridad, su agilidad argumental, translúcida y carente de obstáculos para la acción son la garantía de autenticidad para con el público aficionado a las buenas películas de acción. Como guionista Paul W.S. Anderson asume la coherencia del trabajo de adaptar un videojuego a la gran pantalla, tratando de no conferir importancia a cualquier atisbo de practicidad dramática, ni el guiño a la seriedad, para dedicarse a estructurar la acción en función de niveles, como si de un juego de ficción se tratara: el puente, la ciudad, la iglesia, el colegio y finalmente la cumbre escénica en un rascacielos con lucha final entre antagonistas incluida. Los personajes no están en absoulto dibujados, no tienen entidad ninguna y están estereotipados hasta el rubor. Pero poco importa. En base a eso, la acción se desarrolla con un trepidante ritmo que nunca se apaga, que confiere a la historia una intrascendencia que se traduce en la mejor baza de un filme de acción modélico, pero en su conjunto formal algo insípido y básico.

Por eso, puede sonar absurdo decir que ‘Resident Evil: Apocalipsis’ es una magnífica adaptación del célebre videojuego, por ésa insuficiencia de gravedad argumental que comparten ambos formatos, donde se encuentra el gran componente de lo mejor del juego y la película. Por tanto, la encarnizada lucha de Alice contra el mundo zombie y la supervivencia en el caos como una premisa de la acción es lo que hace grande a este lúdico divertimento de ciencia ficción adulterado con el terror zombie. Considerándola de este modo como un estricto y legítimo espectáculo, un deleitable producto como simple ejercicio de acción, esta secuela es un placer estético y rítmico distanciado por completo de cualquier sumisión a cualquier regla de guión establecida.

Algunas medidas, bien es cierto, son algo absurdas y un tanto reaccionarias, como la de una explícita y gratuita presentación o representación de violencias y perversiones sexuales, actuaciones degradantes para la persona o que conduzcan a la propia degradación del ser humano. Norma que va mucho más allá del tremendismo. O la de los contenidos sexuales explícitos que se enfocan a eliminar aquellos propósitos sexuales gratuitos, que sólo estarán justificados por el contexto. Algo que nos recuerda a la censura franquista o a los dos rombos de principios de los 80. Y es que, no nos engañemos; la violencia y el sexo, en este momento, no son el principal enemigo contra la idiotez generada por la ‘Caja Tonta’, porque una buena teta no hace mal a nadie (quien no recuerda ese pecho desorbitado de Sabrina Salerno). Un niño actual también sabe perfectamente como funciona el mundo, qué es una droga, cómo se utiliza, cuál es función, sus clases y en qué momento está la sociedad. Ha visto una guerra ilegal, vive en la era del vicio digitalizado y pixelado y comprende mejor que muchos adultos cómo es la vida. No es una cuestión de ponerse gazmoños y puritanos, de excederse en la consecución de una educación digna, que les transmita unos valores profundos a los más pequeños, pero sí de moderar la competitividad catódica y con su autocomplacencia de contenidos. La intención del Ejecutivo es que el fruto de su tarea sea palpable en televisión en Navidad, la época del año en la que más sube el consumo de televisión por parte de los niños. Y así lo esperamos todos, pero sin excesos.

Pero no hay que dejarse engañar por los contenidos televisivos. La televisión ofrece perspectivas que otros soportes son incapaces de producir. Sólo en televisión es posible ver una película adulterada, cercenada por horas de anuncios publicitarios que acaban por distraer la atención a programas de otras cadenas. O teleseries de moda absurdas y manipuladoras de modelos de vida, concursos ‘familiares’ que mezclan sin ningún pudro pruebas de patio de colegio y torturas de animales dignos del pueblo sin civilizar. Algo extensible a los coloquios con dinero de por medio y conflicto de intereses sin cicatrizar. Incluso los documentales, ese espacio intelectualmente ‘culto’ de la televisión, están contaminados por el impacto, por el espectáculo sangriento de la ley de la selva. Por no hablar de los informativos, que se han convertido en festivales ‘gore’ para adictos del aquí y ahora. La televisión, por tanto, no sólo se compone de la desconocida ‘telebasura’, por lo que si se quiere regular un código de protección y de autocontrol no basta con echar un vistazo a lo endémico de la situación, al recurso fácil.

¿Este código debe ser el inicio del ocaso de la Telebasura? Evidentemente no. Pero sí tiene que darse una desinfección de la misma, en una época de visible decadencia. La telerrealidad, el formulismo del ‘reality’, del escándalo ‘rosa’, del sensacionalismo, ha nacido de la consentida y evolutiva sensación de poder, de hegemonía insultante. A lo largo de los años, la ambigua y malentendida ‘telebasura’, ha desembocado en un pozo de lodo y deyección que ha acabado por confundir su significado, su atractivo y su potencia como evento catódico heterogéneo y ‘freak’. La televisión se ha convertido en un sistema que crea sus propios personajes y vive de ellos, donde los programas de telerrealidad buscan la polémica y los informativos son presentados como puro espectáculo. El concepto de ‘telebasura’, tiene más importancia de lo que la gente cree. El control al que se puede someter puede ser positivo. Sin embargo, pretender incinerar los espacios de la degradada ‘telebasura’ es algo más que peligroso, ya que estos son mucho más inofensivos que esa otra televisión amordazada que tan escandalizados personajes reclaman.

Tal vez sea, como dice Antonio Sempere en su ‘En tiempo real: La televisión al borde de un ataque de nervios’, porque la mayoría de los críticos y analistas televisivos ignoran, odian y desprecian el medio. Pero esta afirmación es más que dudosa, ya que nadie puede creerse con la verdad absoluta sobre el medio. Y es que el espectador, como ente inteligente, debe filtrar los contenidos y rechazarlos o aceptarlos según sus gustos. No existe, y esto es más grave, ningún agravio sobre este pretendido liberalismo de nuestros políticos tan silenciado últimamente. Ya sabíamos que el liberalismo (el verdadero liberalismo, no la coartada liberal para manejar las líneas de fuerza empresarial y de la sociedad entera) iba a la baja, pero resulta que el proceso es mucho más grave: el Estado nos debe decir qué programas tenemos que ver y cuáles no. Ahí está el peligro, amigos; cuando consigan decirnos qué es lo podemos ver y qué no. Porque entonces debemos suponer que lo siguiente, será insinuar lo que tenemos que comer (la campaña de alerta sobre la obesidad infantil y juvenil es un buen ejemplo) o qué música escuchar (la terrible escena del ‘top manta’ que se hace ver) y qué cine ver. Lo que hay procurar es que unos cuantos autoproclamados líderes de opinión, ya sean gobernantes, expertos, analistas o versados sabios de cualquier tipo, transformen a los espectadores en imbéciles, vacuos y autómatas. No son nadie para polarizar la calidad de las emisiones.

Debe haber pluralidad. Y para ello, no hay que imponer ninguna medida, sino combatir la basura televisiva ‘real’ (muy diferente a la ‘ficticia’) con programas de calidad. Sabemos que existe la telebasura, y que por extensión hay radiobasura y prensabasura (ésta más reconocible en las revistas del corazón), pero a nadie se le ha pasado por la cabeza censurarlas ni cerrarlas. Por eso, imponer códigos preventivos puede estar bien, ya que hemos llegado a un punto en que el mundo de las 325 líneas está tan borroso por algunos de sus programas, merecen un toque de atención sobre sus contenidos. Pero, y eso sí que no es de recibo, en ningún momento hay que imponer nada, porque supondría una coacción a la libertad, tanto de expresión como de elección.

Josep M. Llauradó se planteaba hace poco el tema de la definición de calidad: “Desconfío de los que se llenan la boca con el término calidad; Cultura de calidad, turismo de calidad, programas de calidad… ¿Qué entenderán ellos por calidad? ¿Quiénes son ellos para monopolizar la calidad?”. Y es ahí donde entra la definición de la ‘telebasura’, ubicada en el contexto de una ‘cultura basura’ dilatada a lo largo de la última década. El concepto de ‘cultura basura’, ése vocablo de difícil catalogación, ha tomado con la diversificación de los contenidos de la ‘prensa rosa’ una acepción errónea, ya que todos aquellos que desbaratan cualquier opción cultural con ineptitud lacerante están, en último término, haciendo un mal uso de la verdadera importancia que debería tener una cultura colectiva de la que, incomprensiblemente, ellos forman parte. Un universo abisal, de texturas polimórficas, de ‘supuesta’ confrontación con las reglas impuestas de la estética y el arte está encaminado a la destrucción de las radiofórmulas, las ideas preconcebidas por el tipo docto, de lo protegido culturalmente. Tiene que haber espacio para el distanciamiento, para huir de las lecturas frontales impuestas, fomentar la libertad que supone elegir una dialéctica distinta a la preconcebida por la cultura establecida. Posiblemente sea cierto que haya que dejar funcionar a su aire, sin intervenciones ‘neoliberales’ directas o transversales, el libre de mercado y la libertad de competencia entre las empresas audiovisuales. Sólo desde la normalidad catódica es posible discutir de ‘telebasura’.

La serie empuja al espectador a una tensión llevadaa al extremo. Para desarrollar la trama en un escrupuloso tiempo real, es decir una hora del tiempo de pantalla iguala una hora en la historia, es una prueba de reciedumbre total. Las costumbres cinemáticas tradicionales no tienen cabida en esta serie, ya que todos y cada uno de los personajes van y vienen en concordancia con el tiempo.

La historia gira en torno a Jack Bauer, el jefe de la Unidad Anti-Terrorista norteamericana (UAT). A lo largo de las tres temporadas -por ahora-, Jack y sus compañeros tratarán de proteger la vida del senador (convertido en Presidente) David Palmer y salvaguardar a la nación de estratégicos ataques terroristas en tres agónicos días completos a través de aventuras que parecen no tener fin. A Shuterland le acompañan Leslie Hope, Elisha Cuthbert, Sarah Clarke, Dennis Haysbert, Carlos Bernard, Xander Berkeley, Penny Johnson, Reiko Aylesworth, Sarah Wynter y James Badge Dale, entre muchos otros.

La serie empezó con aquella inolvidable frase en boca de Bauer: “Tenemos razones para creer que de hoy habrá un atentado contra la vida del senador Palmer”. Era el fértil comienzo de una serie que es, con todo el merecimiento, un clásico moderno, un ejemplo a seguir, una obra maestra televisiva de nuestro tiempo.

Temporada 1: La serie, cimentada sobre los mejores pilares del ‘thriller’ de acción, supuso una innovadora montaña rusa desarrollada a tiempo real. A lo largo de 24 horas, durante el primer día de campaña presidencial en Los Ángeles, donde Jack Bauer y su equipo de élite de agentes de la UAT descubren una conspiración de asesinar a candidato David Palmer. Un día para identificar al asesino y salvar la vida de Palmer, Jack también debe arreglar su maltrecho matrimonio y la desaparición repentina de su problemática hija adolescente.

Temporada 2: 18 meses después de que Bauer y los suyos salvaran la vida del Senador Palmer y de que la tragedia se cebara en la vida del mejor agente de la UAT (su mujer moría a manos de una ex amante también agente de la agencia), todo parece en calma. Pero no tarda en romperse cuando los agentes de la UAT, en constante contacto con el ahora Presidente de los Estados Unidos, David Palmer, se enfrentan a una catástrofe terrorista que pone en jaque a todo el país: una bomba nuclear está a punto de estallar algún lugar de Los Ángeles, en cualquier momento. Sólo Jack es el único capaz de detener la deflagración.

Temporada 3: Tres años después de los acontecimientos, Jack está metido en turbios asuntos con un cartel de la droga mexicana. Un virus bacteriológico es el elemento que desbordará a la UAT. Si no sueltan al capo mexicano Ramón Salazar extenderán el virus por todo el país. Mientras David Palmer se prepara para la reelección junto a su nuevo asesor, su hermano, Bauer y la UAT se enfrentan al que ha sido designado por los productores como “el día más largo en la vida de Jack Bauer”.

Ni siquiera Osama Bin Laden, con su reaparición del sábado por la televisión árabe Al Yazira, ha logrado acojonar a los electores.

Yo (y supongo que cualquier persona medianamente inteligente) me pregunto: ¿Cómo pudo llegar a la primera magistratura del país más poderoso del mundo una persona como George W. Bush, con un expediente académico mediocre, una inteligencia nula, sin la más mínima inquietud intelectual, con una juventud tormentosa debido a sus problemas con el alcohol y la cocaína, arruinado en sus negocios petroleros y con una derrota a sus espaldas en su único intento de optar a un cargo electivo (uno de los escaños tejanos en el Congreso federal) en 1978 antes de disputar, y ganar contra todo pronóstico, el Gobierno de Tejas en 1994 a la entonces gobernadora, Ann Richards, una de las estrellas más rutilantes del Partido Demócrata?

Los ataques terroristas contra las Torres Gemelas y el Pentágono del 11 de septiembre de 2001, fueron la excusa perfecta para abandonar el principal objetivo del partido republicano (un programa de reformas domésticas sin demasiadas incursiones en la política internacional) para sacar la bestia inmunda que lleva dentro, para dejar ver el auténtico factor que se le ha dado bien: sembrar el miedo entre su población, convertirse en un vengativo ‘sheriff’ ex alcohólico y militante en la mentira y la estupidez.

En la serie creada por Tomoharu Katsumata, Bonjin Nagaki, Nobuo Onuki y Yugo Serikawa se contaba la historia de dos arqueólogos que encontraron los restos de una civilización antigua que era capaz de construir robots cíclopes. Durante el viaje, uno de los arqueólogos cree que construyendo robots como aquellos podrían gobernar el mundo, evidenciando una avaricia desatada. El otro, llamado Dr. Kabuto, no está de acuerdo y se convierte en enemigo de su ex-colega, el Dr. Infierno. Éste no no estaba dispuesto a que alguien se le opusiera, por lo que mandó a matar al Dr. Kabuto. Lo que Infierno no sabía es que antes de morir le enseñaría a su nieto Koji Kabuto el robot que construyó en la clandestinidad para enfrentarse a su antagonista.

Koji, sin comerlo ni beberlo, se encuentra defendiendo al mundo detrás de los mandos del robot de su abuelo, Mazinger Z, un monumental y avanzado robot que es el único que puede enfrentarse a los despiadados planes del Dr. Infierno y su ambiguo brazo derecho, el Barón Ashler, enigmático personaje mitad hombre y mitad mujer (no hay que negar que los mensajes subversivos estaban llenos de simbologías). Las clásicas peleas de robots gigantes y la destrucción de ciudades enteras en el transcurso de la larga historia se alternaban también con detalles más realistas y cotidianos sobre los personajes, sus caracteres e intenciones. El joven Koji tuvo que aprender a manejar el robot. Un encargo que hizo posible con la ayuda del asistente de su abuelo, el Dr. Yomi que también había construido otro robot llamado Afrodita, y era pilotado por su hija Sayaka Yomi. Además, los tres científicos que trabajan en el centro Fuji; el Dr. Iz, el Dr. Diz y el Dr. Biz. También el Conde Broken o Máscara de Hierro.